Fotos por Jorge Sebastián Noro.

Hay un reel que muestra la propuesta, ¿Cómo surgió la idea?

El  reel nos sirvió para delinear la idea de cómo sería un canal público específicamente de música. Todo el proyecto del reel se armó con gente que trabajó de manera gratuita, pensando que la idea estaba buena.  Igual todavía hay muchas cosas que faltan desarrollar mejor ya que estamos trabajando para lograr la señal. Igualmente está avanzado de forma escrita lo que sería la programación del canal.

¿En qué etapa está la relación con el gobierno?

Hasta ahora tuvimos dos reuniones, una de ellas con Tristán Bauer (NdR. Titular del Sistema Nacional de Medios Públicos) que apoya cien por cien la idea que planteamos en el reel. Ahora falta una iniciativa política para que el canal se pueda lograr.

¿Podés contar la idea general del canal?

La idea es que sea un canal público, federal, nacional que muestre la identidad argentina y que pase por todos los estilos de música, no solo de rock. Por ejemplo acá en la UMI la mayoría de las bandas tienen material y no entran en los cánones privados porque no tienen espacio. Entonces queremos crearlo.

¿Cómo van a manejar la línea editorial?

Lo que plantemos es un consejo asesor de músicos muy prestigiosos que llevarían adelante la línea editorial del canal. Esta gente con la que ya hemos hablado solo participarían porque existe este espacio, que es independiente. Si podemos combinar todo esto,  va a tener una fuerza muy importante el canal. Por otro lado, la idea es no solo pasar videos si no apuntar a programas que cuenten historias. Entonces habría programa  que hablen de cuestiones relacionadas con la música y los videos funcionarían como un complemento.

¿Alguno de estos músicos aparece en el reel?

Puede ir encaminado en ese sentido. Igual prefiero confirmar cuando esto esté en funcionamiento.  La idea es estos músico le den  la mística que nosotros queremos que tenga un canal de música, porque en definitiva por más que sea un canal que esté relacionado con el Estado el arte de  por si es rebelde y necesita otro tipo de contención. La idea es que sea un canal para todos los músicos. Creemos que muchos de los artistas que están en el reel tienen una visión positiva del proyecto y lo apoyan.

“el arte de  por sí es rebelde y necesita otro tipo de contención”.

¿Cómo describirías a los artistas que aparecerían en el canal?

La idea es darle espacio a los artistas que no tienen llegada a los medios masivos de comunicación. La idea es hacer algo federal y musical. Creo que es un gran momento para eso. Estamos viviendo un momento de cambios y esta puede ser la gran posibilidad para abrir puertas. Este espacio tiene que proponer otra cosa diferente a lo que propone lo privado,  pero no desde el lugar de la división. La música es una sola. Creo que es la primera vez que los músicos nos juntamos y el canal es una herramienta que nos va a servir para todos.

Fotos por Jorge Sebastián Noro.

En algo más de diez años  de vida Sick Porky ha tenido solamente dos discos. “Ancestral” del 2006 fue su primera producción, que tiene la particularidad de no incluir la presencia en guitarra de Mariano “El Tata” Martinez que estuvo alejado un tiempo de la banda para regresar con el disco en la calle. La banda fue cambiando con el tiempo. “Nosotros teníamos quince años cuando formamos la banda y eso implicó la adolescencia. En un momento la banda era parte del grupo de amigos,  hasta que se dio un punto de quiebre, de inflexión” dice Jeremías respecto a esto. Hoy se ve una banda asentada y diferente, con objetivos claros. “Yo creo que por ahí la banda tiene mucho tiempo, pero también son muchos años de adolescencia, de crecer, de no saber lo que querés” completa Leandro.  Entonces,  la pregunta obligada para dar comienzo a la charla,  es por la relación entre el pasado reciente y la actualidad.

¿Cuál es la diferencia entre Ancestral y Origen de Fuego?

J: Lo básico es el sonido y como se grabó. A Ancestral lo grabamos en la sala nuestra con cero presupuesto y a Origen… lo grabamos en Del Abasto al Pasto, por lo que la calidad sonora es muy superior.  La otra diferencia va por el lado de la estructura de los temas. En este jugamos más con las armonías de guitarra, ayudados por la presencia del Tata. Yo creo que las estructuras de las canciones son diferentes pero sin embargo,  mantienen  cierto espíritu de Ancestral que era parte nuestro también.

L: Cuando se fue el Tata hubo que hacer una reversión de todo, lo que nos obligó a reversionar la banda. Eso se nota en que Ancestral sea palo y a la bolsa sin tantos arreglos como este nuevo disco.  En esta nueva grabación todos tuvimos que cambiar la forma de tocar. Incluso yo tuve que cambiar mi manera de tocar el bajo  ya que en Ancestral hacía de una especie de segunda guitarra mientras que ahora,  al tener dos guitarras,  juego con un estilo más de peso sobre el bombo.

¿Qué particularidad tuvo la experiencia en el estudio?

L: De movida la gran novedad fue que lo grabamos en vivo,  a diferencia de Ancestral que había sido grabado por separado.  Siempre el productor  (NdrR: Agustín Rocino) trató de darle un lado crudo a la banda y consideramos que la mejor manera era que lo grabáramos todos juntos.

¿Les cambió algo del sonido la presencia de Agustín?

J: El tema sonido es algo claro ya que a esta altura sabemos cómo sonar.  El nos ayuda a probar cosas más raras como máquinas, teclados y  fundamentalmente termina de redondear las canciones, cosa que a veces nos cuesta.

L: En ese sentido somos jodidos. No nos gusta que nos digan cómo hacer las cosas pero Agustín es un amigo nuestro que siempre se la jugó y nos sacó adelante por lo que su palabra vale dentro de la banda y de la experiencia del  estudio.

¿Están conformes con el resultado?

J: Si. Tal vez le hubiera dado más tiempo a la experimentación. Sin embargo,  creo que las cosas pasan por algo. Este era el momento de sacar este disco.

L: Es un disco que lo escucho y me gusta. A veces me gustan algunas cosas,  después otras. Cambia todo el tiempo. Coincido con Jere en que todo lo que pasó,  es porque tenía que pasar. Me parece que es un disco para escucharlo bastante, ver en vivo a la banda, volverlo a escuchar y así sucesivamente. No es un disco de esos que te enganchan fácilmente que encima, personalmente, son los que dejo de escuchar más rápido. La idea es hacer canciones rockeras.  Pueden  ser más enroscadas o pesadas pero siempre intentamos que sea una canción.

“La idea es hacer canciones rockeras” – L. Spatola -

¿Hubo una intención de recorrer esos caminos?

J: No hubo intención a ir algún lado si no que fue un crecimiento personal que se reflejó en la banda y en lo que queríamos los cinco integrantes. Además creo que dentro de la banda cada uno sabe el lugar que tiene y eso se refleja en el disco. El Tata y el Tío (Sebatián Licio) están en el diseño, Carlos (Villafañe) en la imagen visual y Leandro y yo hacemos las relaciones públicas, notas, etc…

L: Creo que incluso eso se dio en las letras, que es algo que nos representa bastante. Son abiertas a las distintas interpretaciones.

Por ahí arrancábamos con algo común y le dábamos una vuelta de rosca

J: Este disco fue un laburo entre todos. Es mucho mejor porque no se remite a la experiencia de una sola persona si no a cinco y por otro lado permite que no se nos cuelen influencias. A penas nos damos cuenta que se parece a algo le damos de baja.

L: En ese sentido es una banda diferente. Somos de personalidades fuertes por lo que chocamos y a veces nos cuesta ponernos de acuerdo. Obvio, hay un respeto que se generó en los últimos años que nos permite continuar y darle para adelante.

Sick Porky suele encuadrarse dentro del stoner rock más por una cuestión de costumbre que por una cuestión de sonido. “Es evidente que tenemos influencias stoner . En definitiva todo remite a y Black Sabbath,  aunque quizá las etiquetas con el tiempo  te empiezan a hinchar las pelotas” dice Jeremías frente a esto. “ Hoy estamos dentro de una  movida para la gente que escucha la música pesada” agrega Leandro para concordar con la definición final de Jeremías:  “Sick Porky es rock pesado, oscuro y valvular”.

“Sick Porky es rock pesado, oscuro y valvular”  - J. Stutz -

¿Cómo ven la escena y a ustedes dentro de la misma?

J: Creo que ya es una música que pertenece a un género más amplio. La etiqueta stoner parece que no alcanza para definir a las bandas con las que compartimos escenarios.  Creo que la movida empezó a crecer hace un par de años con los Festivales en el Asbury después surgió el Nasty Mondays y de apoco se van agregando ciclos en donde bandas nuevas pueden participar.

L: Yo rescato como muy valorable la movida de Los Natas, que con cierto nombre dentro de la escena y dentro del rock argentino, empezaron a tirar manos y a hacer que la escena crezca y al crecer la cantidad de bandas hay un respeto mutuo que dan ganas de hacer cosas. Hay un ida y vuelta interesante.

J: Seguimos en el under pero todo es un poco más grande.  Es cuestión de tiempo para que esto crezca. En el futuro me imagino la movida cada vez más grande.

Sick Porky se presenta este Sábado 14 Agosto en Bs. As. Club. Perú 571 Prometen tocar el disco entero con músicos invitados,  el estreno del video “Pura Sangre” y una muestra de los fotógrafos y fotógrafas más representativos de la escena rockera.

Fotos por Martin DarkSoul cortesía de www.jedbangers.com.ar

Bigelf es una banda curiosa en todo sentido. Formada por Damon Fox  brillante vocalista y ejecutor del piano Hammond y del Mellotrón,  junto a los muy setentosos Ace Mark en guitarra, Duffy Snowhill en bajo y Steve Frothingham en batería, parecen ser una banda sacada de la escena de los setentas y puesta por obra y gracia de la psicodelia en un escenario actual. Precisamente, es el histriónico Fox que se encarga de aclarar de donde vienen sus influencias. “Pienso que mi música tiene más cosas que ver con el Rock Británico” y luego continúa “Además creo que los suecos, noruegos y escandinavos en general, tienen una especie de mezcla de estilos, que conforman su rock progresivo y psicodélico que suele tener sentido para la gente de ahí. Por otro lado siempre conservan el gusto por el rock bien clásico lo que nos favorece bastante”. No es casual que el vocalista mencione a los países escandinavos en toda esta cuestión, precisamente Escandinavia fue el lugar donde el “Gran Elfo” comenzó a crecer a pasos agigantados.

¿Qué recordás de aquellos días?

(Antes de responder se emociona al ver mi clásico grabador con casete y exclama la frase ¡Old School, buenísimo! NdR:  esta expresión se utiliza para decir que algo es clásico y está bueno que así sea ) Voy a tratar de recordar (risas). Hicimos un par de discos en los Estados Unidos y teníamos muchas dificultades en que la gente nos preste la atención que precisábamos para crecer. Pasaba el tiempo y no lográbamos que nadie nos tome en serio. Un día  tocamos en un festival de Los Angeles que se llamaba “Prog Fest” y había una serie de productores de Suecia que estaban mirando nuestro show. Nuestra música les copó y decidieron licenciar nuestro disco. Ahí dijimos ¿Por qué no? De esa manera empezó la cosa. De alguna manera esos fueron “tiempos oscuros” para la banda, recién no estábamos instalando y debimos empezar de cero sin saber si lo íbamos a lograr finalmente y apostando casi todo lo que teníamos. Perdimos un par de miembros e incorporamos dos nuevos de Finlandia. Empezamos a girar mucho más en Escandinavia y luego fue como poner  “gasolina en el fuego”, empezamos a crecer  y a largar una llama muy brillante que aún continúa brillando.

Una banda nacida en Estados Unidos pero que triunfa en Europa resulta algo extraño dentro de los cánones del rock tal como lo suele pensar público, periodistas y músicos. Sin embargo, como dijimos no es lo único que tiene de extraño Bigelf. Si hablamos de encasillarlos en alguna de las variantes  que hay hoy en día,  la apuesta sube considerablemente.

¿Te sentís dentro del género progresivo?

No me pondría en la etiqueta “progresivo”. Creo que tenemos algunos elementos progresivos. Al mismo tiempo, me parece que hoy la gente tiende a encerrar la música dentro de un género determinado. A veces podés identificar las cosas en un género. Hay quienes hacen rock, otros hip hop, o lo que imagines. En este sentido el género progresivo es mas “saludable”. Tiene que ver con dejar con que las cosas fluyan hacia distintos lados. Cuando alguien está en “lo progresivo”,puede ser mas rockero, mas psicodélico, o experimental pero en definitiva puede dejar que la música progrese hacia donde quieras.

“Creo que nosotros definimos géneros. Tenemos como veinte géneros adentro de nuestra música. Un montón de cosas dentro de nosotros. Entonces no me importa que nos etiqueten. Creo que es algo natural. Uno  tiende a identificar las cosas con lo que conoce, no se puede evitar esto y ni siquiera quiero evitar que alguien lo haga”.

Precisamente compartir el escenario con Dream Theater implica enfrentarse con un público especializado en el rock y metal progresivo, más cercano al gusto por la técnica que por el riff rockero y ganchero. Sin lugar a dudas esto, junto a la disposición de un Luna Park lleno de butacas,  puede haber influído en la respuesta de la gente. “Usualmente cuando hay asientos en los conciertos la gente es más reservada. Cuando tocamos en  lugares como Santiago de Chile,  en un lugar abierto para veinte mil personas,  la cosa se pone mucho más loca. Igualmente me pareció que estuvo bien el show en Argentina. La gente estuvo más que nada estudiándonos y observando. Me pareció  algo lógico teniendo en cuenta que muchos nunca nos escucharon antes. Nos miraron en el estricto sentido de la palabra”. Sin embargo,  la respuesta de los chilenos,  no iba a ser la única cosa que se llevarían como recuerdo de su primera visita al sur del mundo y específicamente  del país que limita con el Pacífico.

¿Hay algo especial que te llevás de este tour?

-Vivimos una situación bastante fuerte en Santiago de Chile ya que llegamos justo después del primer terremoto. Fue medio atemorizante la situación y teníamos temor de que suceda de nuevo. Creo que eso no me lo voy a olvidar jamás. Cuando viajas por todos lados, es medio difícil conocer la cultura  por un tema de tiempos, pero esas cosas dejan un recuerdo imborrable.

Como suelen hacer las bandas que visitan por primera vez un lugar las bandas utilizan como carta de presentación la última obra en cuestión. “Cheat the Gallows” es el nombre de esta última obra por lo que es interesante preguntar como evalúan la transición desde el pasado hacia el presente.

¿Sentís que tu último disco es una progresión respecto a los anteriores?

Definitivamente es una progresión con respecto a los otros discos. Creo que por un lado, definimos un poco aquello de los géneros que estábamos hablando antes.  Intentamos agregar nuevos estilos y mezclamos otros como siempre. Somos inquietos por naturaleza e incluso eso se puede ver en la utilización de elementos que parecen incongruentes.  Nunca nos gustó hacer un disco igual al otro. Por otro lado creo que con este disco llegamos más lejos en cuanto a lo masivo. Un ejemplo de esto puede ser la canción “Money it´s Pure Evil”,  tal vez la canción más pop que hayamos hecho con un mensaje universal sobre el peligro del dinero.

¿Hay algo de  estos elementos que “parecen una cosa pero en realidad son otra” en la elección original del nombre Bigelf?

Yo soy muy fanático del “Señor de los Anillos”. A pesar de que no es nada espectacular llamarse “Elfo”,  me gustó la idea de que la banda tuviera un oxímoron como nombre. Siempre  pensé en bandas que utilizan este recurso. Siempre me acuerdo de Iron Butterfly  (mariposa de hierro) en Gentle Giant (gigante amable) y creo que Bigelf (gran elfo) tiene toda esa influencia de los sesentas.  Si a esto le sumamos todo la atmósfera de circo, de carnaval y de juglar que rodea la banda tenemos como resultado ese conjunto de contradicciones que es Bigelf. Eso es lo que queremos hacer y los que nos hace distintos.

Última pregunta y tal vez la más compleja ¿Cómo formaría tu grupo ideal de todos los tiempos?

¡Qué difícil! Igual acepto el juego ya que solemos hacer este juego en nuestro bus de gira. (risas). (En ese momento se sientan a la mesa Steve el baterista y Jamie el manager que quieren participar del juego. Luego de que cada uno tire varios nombres Damon se encarga de dar la formación final). Creo que Paul McCartney como vocalista principal y bajo, David Gilmour en guitarra, Bill Ward en batería e Ian McDonald de King Crimson que puede hacer voces, tocar el mellotrón y el saxo ¡Podría hacer todo! (Risas). Definitivamente hoy sería mi banda. Mañana quien sabe.

Para ver Money Its Pure Evil

Fotos: Jorge Sebastián Noro

Hace un tiempo que salió  “30 días…” ¿Qué te gustaría cambiar del disco?

C.F. .-Sinceramente nada, me parece que quedo super redondo en cuanto a sonido, composición y mensaje. Es el disco que queríamos hacer en este momento.

Me imagino que habrá temas que funcionan mejor en vivo que otros…

C.F.- Eso se podría dividir entre los temas que nos gusta tocar a nosotros y los que les gustan más a la gente. Esto último es una de las razones para que funcionen y tocarlos. Lo que pasa muchas veces es que ambas coinciden, y la verdad es que temas como “Aves Negras”, “La Batalla de San Antonio” o “Magia Negra” son temas que se aprovechan muy bien en vivo. Son pesados pero cantables y seguibles. Se podría decir que son muy orgánicos y no distan mucho de la versión del disco. Entonces no hay que versionarlos para que queden bien. Funcionan y andan solitos.

Siguiendo la tónica de estos tres temas que nombraste ¿Te parece que resignaron un poco la zapada para sonar más pesados?

C.F.- No en, en realidad no se resignó nada, salió lo que salió y lo que  nos pidieron las composiciones. De hecho hay un tema que tiene algo a lo que se le podría decir “zapada” en el disco que es “Angel”. Creo que eso si estuvo, fue siempre mas en vivo que en disco. Salvo en “Rasante”, de “Temporada de huracanes” no hay mucha mas zapada en los demás discos. En el vivo es otra cosa.

Después de la salida del disco cambiaron nuevamente de baterista. ¿Cuál es la razón de los constantes cambios? ¿Solo cuestiones personales o cuestiones más estructurales ligados al sonido de la banda?

C.F.- No, definitivamente no tiene nada que ver con el sonido.De  hecho Buffalo se fue adaptando un poco también a el baterista de turno en cuanto a sonido y forma de tocar. Con Fede (NdR. Federico Genazzi  ex baterista del grupo)  la verdad que hasta ultima instancia estuvo todo bien, y lo sigue estando. El tomó la decisión luego de volver de la ultima gira por Chile por cuestiones personales y se respetó su decisión por supuesto. Es evidente que uno no busca cambiar músicos por que si, son cosas que se dan naturalmente.

Hay una historieta y una película que tiene el mismo nombre del disco. ¿Fue eso algún tipo de influencia? Incluso la tapa tiene cierto aire de afiche cinematográfico…

C.F.- A ver (risas). No tiene nada que ver. Por mas que la idea sea muy parecida, esto fue algo que surgió en el momento indicado y no nos fijamos a que se parecía o no. De hecho en ese momento ni tenia idea de la película, pero si me daba vueltas en la cabeza la idea de como seria vivir en esos lugares cercanos al polo donde hay muchos días seguidos de noche. Además aparecieron ciertas circunstancias personales que rodearon la época en la cual estábamos grabando y mezclando el disco por  lo que “30 días de Oscuridad” fue más que nada para englobar esa idea. ¡Podrían haber sido 50 días y no estaría contestando esta pregunta ahora! (risas).

¿Hay algún tipo de relación entre el título y cierta oscuridad y pesadez que tiene el disco?

C.F. – Si absolutamente. Es un poco lo que te contaba en la pregunta anterior. Se fueron dando una serie de eventos y cosas personales que fueron llevando a una idea o sensación. Eso inevitablemente terminó plasmándose de todas formas en el disco. Ya sea en el arte, el nombre, las letras y la música misma.

¿Cómo se reparten los temas para cantar con Xoni? ¿Cada uno canta lo que escribe o pueden intercambiar? ¿Pasa a veces que viene uno y dice “este tema lo tenés que cantar vos”?

C.F.-Mirá, pueden pasar todas las situaciones. Pero por lo general cada uno canta lo que escribe por que no hay nadie mejor que el que lo escribió para sentirlo y transmitirlo. Pero no esta vetado nada en ese aspecto, todo puede pasar.

¿Qué te inspiró un tema como “La Batalla de San Antonio”? Te pregunto esto porque en la lírica suele haber cierto coqueteo con lo religioso.

C.F.- (Risas) ¿Puede ser, no? Ya es muy evidente aunque en realidad si te pones a escuchar un poco la letra, realmente no pasa por lo religioso justamente. Es mas por otro lado la cosa, de hecho San Antonio en este caso es algo como mas “generico” si vale el termino. Hay varios “San Antonios”,Cada uno lo interpreta como le cae, puede se el patrono de los desamparados por un lado, el de los enamorados por otro y hasta el de los animales en España. Escuchá la letra y saca tus propias conclusiones.

¿Cómo llegan a incorporar una armónica? ¿Sienten que lo pide el tema? O es algo más racional en el que piensan  “estaría bueno hacer un tema que tenga armónica”

C.F.- Y es como que las dos cosas serian validas. Salió por que es un instrumento mas, definitivamente asociado al rock. Por ahí también se me ocurrió para las partes donde hay una suerte de duelo de solos como por ejemplo en “Magia Negra” y la zapada de “Angel”. En esos dos casos caía bien la idea de alejarse más y mas del común de las grabaciones de este tipo. Tal vez te podría dar un simple ¿Por que no? y cerraría (risas) pero en realidad pasa que el tema lo pide. Son sensaciones a veces que te llegan en el momento y le damos para adelante.

A diferencia de los discos anteriores las voces están más arriba. ¿Hoy te sentís más cómodo cantando que antes?

C.F. – Si la verdad que si. Me gusta cantar lo que escribo y que a alguien le llegue de alguna manera. No me considero cantante ni loco, solo acompaño la música, lo mismo la voz de Xon, queríamos que se escuchen bien por que los temas que él canta están buenísimos.

Vos tocas la batería, el bajo y cantás ¿Dónde estás más cómodo? Si tuvieras que definir soy…

C.F.- Definitivamente siento que me expreso mejor con la guitarra, aunque hoy por hoy siento que y con toda humildad, algo digo cuando estoy atrás de un instrumento. No precisamente por virtuosismo sino por pelotas y credibilidad. A su vez, eso lo traduzco a disfrutar lo que hago y sentirlo. Si no, no lo hago.

¿Cómo ves la escena hoy? ¿Qué te parece la Nasty Mondays?

C.F.-La segunda pregunta es rara (risas)  Supongo que si me estas preguntando por un ciclo en particular es por algo.¿Cómo veo la movida de la escena hoy? La verdad es que no la veo muy distinta de hace un tiempo hasta acá. Lo que si veo es que hay bandas que dicen: “o muevo el culo o no toco” y eso me parece bueno. Al menos es lo que nosotros hacemos. Se sumaron lugares donde tocar, no todos con las mejores condiciones pero así son la circunstancias y está en uno hacer las cosas bien. Y con respecto a la “Nasty Mondays”, por un lado el lugar físico donde se encuentra el Roxy Live ahora es muy bueno. Está bien ubicado y es accesible para el público que quiere ir a ver una banda, tiene muy buen sonido si sabes aprovecharlo, y encima es gratis. No creo que se pueda pedir nada mas. Es redondo. Por el otro me parece que se gesto una suerte de monstruo al cual todos quieren pertenecer. Pareciera que “hay que estar ahí a toda costa”. Veo gente casi desesperada por tocar en el ciclo. No se. Es raro. Con respeto a la gente que se encarga de organizar creo que lo hace bien y me parece que se logró posicionar el ciclo rápidamente en la noche under y a veces no tan under. Nosotros tocamos una vez y creo que se aprovechó. Lo curioso es que e nosotros caímos ahí casi de rebote. Por que ni la sacamos nosotros a la fecha, ni tampoco fuimos invitados por la organización. Fue por otra banda que quería tocar con nosotros y luego entre cambios de agenda ni siquiera terminamos tocando juntos.

¿Por qué a pesar de hacer un rock pesado casi lindando el heavy metal, Buffalo no toca con bandas como Almafuerte, Logos u Horcas o no participa de fechas internacionales?

C.F.- Creo que la respuesta es facilísima. No tocamos con ninguna de las bandas que nombras por que esas bandas se manejan invitando ellos a las bandas que los telonean y en un noventinueve por ciento de los casos hay un arreglo que creo en primer lugar Buffalo no aceptaría. Por otro lado no se si a ellos les sirve o les cierra que toque una banda como nosotros, ojo, no lo digo como algo malo. Es su forma de laburar. Muchas bandas, inclusive más chicas, se manejan de esa manera. Si a ambas partes les cierra el trato, bienvenido sea me parece. En cuanto a lo de tocar o no en fechas internacionales pasa algo muy parecido, nadie toca sin poner un peso en una fecha de ese tipo. Salvo en el caso de alguna banda que este en el sello de la productora que trae a la banda. Por ejemplo, la última vez que vino Motorhead me llamaron para que toquemos. La verdad no me emocione ni por un segundo,  por que en la charla estaba esperando el número, y cuando salio era uno muy alto (risas). Ni loco pagaría esa plata para tocar con nadie. Ni con Metallica, por que ni se enterarían quienes somos y por que a la gente le parecería odioso. La verdad es algo que no entiendo, no desde el lado de la organización sino desde el lado de las bandas. Se de bandas que pagan hasta ocho mil pesos o mas para tocar antes de una banda. Yo la verdad no se. Me  equiparía mas, organizaría una fecha, pondría esa plata en prensa, me voy de gira por el país… Hay tantas opciones mejores a mi parecer antes que pagar una locura para que te vean un montón de jevis (sic)  que lo único que quieren es que te vayas,  para ver a la banda por la cual pagaron su entrada.

Hagamos una retrospectiva de los tres disco de Buffalo ¿Qué es lo mejor y lo peor de cada uno?

C.F.-De “Temporada de Huracanes” creo que lo mejor es  la crudeza y lo peor que se hayan grabado todos los instrumentos con el mismo micrófono. Me encantaría grabarlo de nuevo, pero el disco es bueno así en su estado natural. De  “Karma”  lo mejor es lo prolijo que quedo y el cambio que marco desde “Temporada…”. Lo peor quizá es que nos hubiera gustado procesarlo más en nuestras cabezas mientras grabábamos y haberlo pulido de manera más sucia. De “30 Dias de Oscuridad” creo que lo mejor su sinceridad y su pesadez, y lo peor: nada. Como te decía al comienzo de la nota:  si hay algo malo, aún no llegó.

Estilo: Doom / Stoner / Sludge

Nacida en: Los Angeles, Estados Unidos (2007)

Integrantes: Matt Price (guitarra), Kevin McDade (bajo y voz), Bobby Padavick (ex baterista, actualmente el puesto está vacante)

Discografía:
2008 – Behold! The Monolito (EP)
2009 – Behold! The Monolito (LP)

Sello: Arctic Forest Collective

Por qué es la banda del mes Noiseweb: porque son pesadísimos y cada riff parece tener vida propia. La estructura del Stoner, pero la densidad y mala onda del Doom. La posta está en el bajo y las guitarras.

Por qué no (discusiones internas mediante): porque la voz es espantosa y no está a la altura de la música ni en agresividad, ni en oscuridad, ni en calidad. Soportarla es un ejercicio de fanatismo.

Escuchá algo acá: http://www.myspace.com/beholdthemonolith

Videos:
Son muy under, y por ahora no tienen.

Tomás nos cuenta la historia detrás del documental.

¿Qué te llevó a hacer el documental?

Fue una combinación de varias cosas, creo que lo principal fue que quería producir una pieza audiovisual por iniciativa propia y con libertad de realización, no por encargo, la otra fue que parte de esto lo había vivido de chico y tenía la sensación de que había desaparecido, fue una buena excusa para remover el cajón de los recuerdos
y por último leí el e-book de Rodrigo del sello Frost Bite y eso me motivo a tratar de armar esta historia
¿Cuándo empezaste y cómo fue el proceso de las entrevistas?

Empezamos en el 2006 más o menos, las entrevistas se hicieron bastante rápidas salvo un par de figurines difíciles, lo que fue un parto fue la recolección de material de archivo, eso llevó muchísimo tiempo

¿Cómo trabajaste con el material de archivo?

Lo fui procesando, digitalizando, etc. Después hubo una búsqueda en Archivo General de la Nación, desastre estatal, da pena ese archivo y caí en la cuenta de que en la Argentina  hay muy pocas cosas documentadas con libre acceso, ahí me cayó la ficha de lo que estaba haciendo era importante

¿Cuál músico te sorprendió por lo simple que fue sumarlo y cuál por lo opuesto?

Me sorprendieron todos en general por la buena onda,  el que más me sorprendió fue Pil de Violadores, vino de toque, un capo. Los que más costaron fueron dos:  Lucas de Fun People y Leo de Attaque, uno por estar muy ocupado y el otro porque lo agarre en un momento en que no quería saber nada con el pasado, pero después se copó y pegamos muy buena onda, era importantísimo que él estuviera  en el documental. Lo entendió y le dio para adelante, fue un gran aporte el suyo.

¿Por qué, teniendo en cuenta la calidad del material, el documental sólo se puede ver en la Web?

Mirá , cuando arrancamos con el proyecto, lo arrancamos de forma medio inocente, queríamos editarlo, pero después nos dimos cuenta de que íbamos a tener muchos problemas con mucha gente. Hubo quienes no aprobaban que esto se vendiera. La verdad, una estupidez total, de hecho ni que hubiésemos vendido 10000 copias íbamos a recuperar el tiempo invertido.
Creo que hubo gente que pensó que atrás de esto había una productora, o que este documental iba a ser una mina de oro. La verdad es que esa es una lectura muy infantil, a lo sumo nos daba el dinero suficiente para empezar un proyecto nuevo, que de hecho lo estoy haciendo de cero y bancándolo otra vez sin saber si va a haber un retorno. Se va a llamar Heavy Metal Argentino, ya se imaginarán de qué va a hablar.

¿Qué te gustaría con el documental de ahora en más?
Hace muy poco tuve una alegría muy grande que fue que quedó seleccionado en un festival internacional de España de documentales de música, lo van a pasar ahí en dos cines y acá en Mendoza en una sede del mismo festival
lo que habla muy bien de la realización, afuera se interesaron bastante. Así que lo voy a seguir presentando a festivales para que se mueva, lo estoy pasando a subtítulos en ingles así tiene llegada a un público no hispano
me gustaría que este documental quede como un referente en lo que es la historia de todo esto ya que fue el primero que se realizó.

Para cerrar, cuáles son las cinco bandas que más te gustaron del hardcore punk nacional y cuáles son las que más te gustan ahora.

Las que más me gustaron, violadores, todos tus muertos, E.D.O, Fun People, Massacre. Y ahora me gusta mucho Cucsifae, escuché una banda rosarina hace poco de hardcore que era impecable, lo ultimo de 2 minutos me parece bárbaro, el otro yo siempre tiene temas geniales. De lo de ahora quizás escucho un poco más de metal, Jesus Martyr me parece una banda de exportación.

-  ¿Qué se puede esperar del show porteño?

La gente se va a encontrar con una fiesta. Siempre esperamos pasarla bien. Vamos a aprovechar para comer buena comida, tomar bien y decirle hola a nuestros amigos de Buenos Aires.

- ¿Internet está ayudando a Less than Jake?

La Red ha hecho algunas cosas maravillosas por nosotros. La gente en paí­ses como Buenos Aires (SIC) puede escuchar nuestra música y ver videos de nosotros y eso es realmente importante. Queremos que la gente venga a nuestro show.  De hecho, vernos en vivo es mejor que escucharnos en nuestros discos!

-  ¿Crees que el ska puede volver a ser masivo como fue a mediados/fines de los noventas?

No estoy seguro, pero sí­ sé que en cuanto tengamos una posibilidad volveremos a crecer, no te quepa la menor duda.

-  ¿Qué bandas recomendás?

Reel Big Fish, Streetlight Manifesto y The Flatliners.

- Siempre estuvieron relacionados con el ska. ¿Qué otros géneros musicales les gustan?

Amamos el death metal. Todo el death metal.

Pero si crees que el hombre no llegó a la luna y pensás que te estamos mintiendo fijate abajo cómo se hizo la batería que aporrea Eriksson.

Vía | Trash

No es fácil ser profeta en la tierra de uno. Muchas veces las puertas que se cierran en algunos lados se abren en otros lugares. Para los chilenos de Mar de Grises, Europa se ha convertido en un espacio para encontrar un respetable lugar dentro del under internacional.  Rodrigo Galvez, bajista de la banda, cuenta la experiencia de girar por el extranjero y de las dificultades de crecer lejos de casa con su nuevo disco “Draining the waterheart” bajo el brazo.

¿Qué se siente que el disco no tenga edición Chilena?  (Al igual que “The Tatterdemalion Express”) Es algo que les juega en contra?

R.G: Creo que de alguna forma es algo… Frustrante. Esa es la palabra. Nos frustra un poco todo eso. Que no tengamos edición en Chile, que no tengamos promoción, que los discos se vendan en apenas un par de tiendas en el país, que por lo mismo, no es mucha la gente nos conoce entre los fans de metal en general y gente de “medios”. Nos conocen más que nada los fanáticos del estilo, que no es poca gente, pero si son pocos para una banda nacional que lleva dos discos y dos giras en Europa, que ha recibido apoyo formal del Gobierno en reconocimiento al aporte real que hemos realizado al posicionamiento de Chile en Europa, una banda que sale destacada en muchísimos medios de Europa y USA, y que acá por lo general se entrega muchísima más atención a bandas que en el mercado mundial son menos valoradas… Nos frustra un poco que nos inviten poco a conciertos, que no nos  inviten a festivales que acá se hacen, o que poco y nada nos consideren para telonear bandas del extranjero… Va todo de la mano. Es cómo si fuéramos de otra escena. Forjamos nuestro camino solos, y seguimos ahí al costado de todo, con una gran mayoría de gente que aún tiene un prejuicio muy errado de lo que hacemos. Que aún piensa que nuestra música es parecida a las típicas bandas… Pero bueno, es el precio de tener otros beneficios, como lo ha sido hacer carrera en Europa, no obstante de que siempre hemos vivido en Chile.
Lo forma es que desde un principio hemos tratado de conciliar esto, pero no ha habido caso. Pero bueno, siempre tendremos las puertas abiertas a que resulte algo bueno en nuestro país.

En este contexto…¿Qué ventajas y desventajas tiene hacer base en Europa?

R.G: El feedback con fans y medios es muchísimo mayor, en cantidad digo. Allá vive muchísima más gente, y el medio es muchísimo más desarrollado, con muchas más zines, sellos, distribuidoras, comunidades, salas para tocar, festivales, auspiciadores, etc..
Lo bueno es que con esta “base” en Europa, hemos podido vivir todo eso, todas las semanas nos llegan un par de entrevistas de alguna parte del mundo, hay cientos y cientos de reviews de los disco en todos los países, y en los principales medios del mundo, etc… El movimiento de fans que escriben u compran material es muchísimo mayor al de una banda que solo se mueve acá en Chile, y la verdad es que la gran ventaja es que estás ahí en el foco de la atención, con prácticamente todo a mano cómo para hacer las cosas bien y así lograr una buena carrera como artista. Ahora, todo esto es una desventaja, en el sentido que son miles de bandas que se mueven en esto. Es dificilísimo destacarse o llamar la atención, levantas una piedra y hay varias bandas que te sacan la cresta grandes producciones, a cada momento salen disocs, por lo que es muy difícil durar mucho tiempo. Es muy muy complicado sobrevivir a esa “competencia” implícita que hay entre sellos y bandas, sellos que tienen muchos recursos para promocionar sus bandas, y otras que tienen grandes discos pero que poco se pueden dar a conocer.
Y bueno, otras desventajas de estar acá y tener base en Europa te las comentaba cuando comenzábamos la entrevistas, con todas esas cosas que son difíciles para una banda que no posee promoción en su país.

¿Cómo llegaron a contactar con Firebox Records?

RG: Cuando comenzábamos la banda, un día grabamos un ensayo en vivo, más que nada para ver cómo estaban saliendo las canciones, y para comenzar a ver cómo sería el trabajo de voces, y bueno sin pretenderlo esto se transformo en nuestro único demo. Como la respuesta era bastante positiva , decidimos enviar un buen montón a sellos y medios del estilo, al poco tiempo tuvimos algunas respuestas y a otros sellos que nos iban pidiendo el material. Ahí entre esos nos escribió Firebox desde Finlandia, que justamente estaba comenzando con su area de “producciones” y que estaba firmando varias “promisorias” del estilo como Swallow the Sun, Pantheïst, Aarni y otras… Bueno, fueron solo un par de conversaciones y ya estaba todo listo. La oferta de ellos era mejor que la de otros sellos, y al poco tiempo ya estábamos grabando el primer disco.

Teniendo en cuenta esto que me contás…¿Qué les produjo la noticia de que su tour por Europa para promocionar el disco, esté apoyado monetariamente por la Dirección de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores (Dirac), luego que la banda ganara un concurso en la embajada de Chile en Finlandia?

R.G: Sin duda fue algo tremendamente positivo. El apoyo a nuestro trabajo desde el Gobierno de Chile, mediante el Ministerio de Relaciones Exteriores y su Dirección de Asuntos Culturales (DIRAC), fue el reconocimiento más grande que hemos obtenido cómo banda.

¿Cómo fue el proceso de selección?

R.G: Te explico un poco cómo fue el cuento. Anualmente la DIRAC llama a “concurso” a los artistas nacionales de todas las ramas. Esto nace de una idea del Gobierno es posicionar  el nombre de Chile y la marca país en el extranjero, a través de “productos” no convencionales, en este caso, a través del arte.
Entonces lo que nosotros hicimos fue un proyecto en el que dábamos cuenta del interés real que había en Europa por ver a Mar de Grises, presentamos cientos de antecedentes de prensa y de nuestra presencia en los principales mercados del estilo de música certificando de alguna forma la relación de “calidad” que existía en torno a la propuesta que tenemos cómo artista original, presentamos las propuestas de contratos para las presentaciones y festivales que teníamos desde Europa, describíamos  las actividades, los posibles aforos de público, etc…
Entonces lo que hizo el Gobierno fue comparar nuestro proyecto con los de otros artistas, y cuando pudo certificar el impacto real que tendríamos, se decidió a apoyarnos. Y la verdad quedaron sorprendidos, tanto que ya hay un acuerdo implícito para que nos apoyen en futuras actividades. Pues luego de este segundo tour en Europa, cuando constataron en terreno todos lo que se generaba en torno a la banda, quedaron más impresionados aún. No esperaban que la presencia mediática, ni a la asistencia de público (con gente de todo tipo) fuese tan positiva. Finalmente constataron que la relación positiva que se lograba desde la banda al nombre de nuestra país era real, y aún mayor en cantidad, a la que pudieron imaginar.

En definitiva…¿Los hace sentirse un poco más presentes en Chile?

RG: Para nosotros este apoyo del gobierno fue un gran reconocimiento. De alguna forma nos validó en un montón de aspectos, más aún al ser un artista chileno, que justamente, no cuenta mucho apoyo en su país, más que el de algunos fans y medios del estilo. Este tipo de apoyo nunca se había entregado a un artista de nuestro “estilo”, y normalmente el apoyo se reduce a un circuito artístico de “elite”, lleno de contactos, círculos, y escuelas, de las que claramente no somos parte. Fue cómo doblarle la mano al destino.

Teniendo tanta experiencia en el terreno europeo…¿Cómo es grabar un disco para Europa desde Chile?

R.G:La verdad el trabajo es más o menos el mismo que para un disco normal. Si hay un par de diferencias, cómo que es si es muy relevante que el resultado final en cuanto a producción sea, cómo mínimo, dentro del estándar  de producciones europeas. Para eso es muy importante conseguir un estudio con equipamiento adecuado y un ingeniero de probada experiencia. Pero bueno, no hay mucho donde elegir tampoco. En equipamiento no hay grandes diferencias, o sea, me refiero a que casi todo lo que puedes encontrar allá también se puede conseguir por estos lados. Y la verdad es que para bandas “metaleras” no se  necesita lo top en hi-fi exactamente, ya que poco se busca sonar sonar cómo David Gilmour  por ejemplo… Lo que si es escaso es la existencia de ingenieros de probada calidad, para que hablar de productores, no existen por estos lados. Pero si va mejorando la cosa, creo que ya hay unos ingenieros que están armando trabajos con calidad de primera línea, y no es una exageración.
Por suerte nosotros tenemos una amplio permiso de hacer lo que queramos con nuestra música y sonido, por lo que los parámetros de cómo sonamos y todo eso, han sido flexible, y por suerte la respuesta de medios y fans a sido buena, rescatando en especial el que no somos uno de los mil clones que hay de las bandas más populares, o con el “sonido de moda”.
Ahora, si son gran diferencia, el tema de presupuestos, y los plazos con que se trabaja. Por ejemplo, acá para nosotros es imposible armar todo en tres o cinco semanas, porque no hay estudios ni ingenieros a tiempo completo para esto, ni tiempo de nosotros. No somos una banda de tiempo completo.
Y sobre el tema de los presupuestos, la verdad lo que nos entrega el sello nos alcanza para trabajar tranquilamente  y optar algo bueno cómo piso, a diferencia de las mismas bandas de Europa cuales deben conseguir sumas bastante más elevadas para poder armar sus producciones.

¿Cómo trabajan el aspecto musical desde lo compositivo? (Da la impresión de un trabajo de layers de teclados guitarras, bajos, teclados, baterias, voces dentro de Draining de Waterheart).

R.G: Si, en parte hay harto de lo que dices. El grueso del trabajo es de Rodrigo Morris o de Juan. Rodrigo gusta desarrollar la armonía, y en ella formar múltiples e interminables melodías. Por lo mismo nos dividimos las voces entre las cuerdas y teclados base. Se trabajan las cuerdas por separado, dentro de una idea de “base rítmica, luego los teclados, de ahí unimos todo, y de ahí se ven los arreglos varios, para resaltar alguna sección, o el desarrollo mismo de la composición. Todo eso a veces da una apariencia de “amplitud sonora” o de una onda más atmosférica, pues entre todos se arma el cuento, y a pesar de que cada instrumento pareciera ir por su lado, todo se construye en un conjunto. No hay el típico acompañamiento a instrumentos solistas, o riff, y ese tipo de cosas. Todos los arreglos instrumentales van, en detalle, al servicio de la composición general. Por lo mismo, ningún instrumento pareciera destacar demasiado por sobre los demás.
Dentro de ello, cuando Juan ingresó a la banda, tuvo que aprender o reconocer más o menos cual era el lenguaje sonoro que se utilizaba, y desde ello comenzar a componer.

¿ En que cambió la banda con la entrada de Juan  Escobar teniendo en cuenta la importancia que tenía Marcelo Rodríguez)? (NdeR: anterior vocalista – tecladista que se alejó poco después de la edición del primer disco)?

R.G: Cambio un poco la forma de trabajar. En lo musical con Marcelo la cosa era un poco más grupal. Rodrigo Morris trabajaba mucho junto a él, intercambiaban ideal y veían que querían hacer.  Antes casi todo partía desde ellos dos, y luego entrabamos los demás. Y Marcelo hacia el grueso de las líricas también.
Sin Marcelo, todo el trabajo de composición recayó en Morris, y luego, cuando se nos unió Juan, el también comenzó a aportar mucho. Alejandro tomó de buena forma el trabajo de las líricas, y los demás seguimos metiendo mano cuando las ideas  ya están más o menos desarrolladas.
Marcelo además atendía la prensa internacional, y todo lo que tenia que ver con el sello y eso. Entonces también nos dividimos ese tipo de funciones.

¿Qué tan difícil fue la búsqueda?

R.G: Muy difícil. Estuvimos casi dos años sin conseguir a la persona indicada, y entre medio hubo muy poco interés de gente por unirse a la banda. Parecían muchas las exigencias de la banda respecto a equipamiento, compromiso, calidad de músico. Por momentos fue deprimente no dar con gente idónea, pero para nuestra suerte terminamos encontrando a Juan. Cuando el ingresó todo comenzó a retomar su curso.

Hay un tema del disco  “Liturgia; Convite y Prefiguración/Purgatorio/Diálogo Iinfierno” que basa su contenido lírico en versos del Premio Nacional de Literatura (1988) Eduardo Anguita. ¿Cómo fue la idea de incorporar esto?

R.G: La idea fue de Juan (Voz / Teclados), tanto en la composición musical, cómo en lo de esta adaptación al poema de Eduardo Anguita. La verdad la poesía chilena, y otras de Latinoamérica, siempre han sido motivo de inspiración para nosotros. Quizá hay una fuerte conexión entre ellos y ese poeta anónimo que cada uno lleva adentro, en nuestros sentimientos, ilusiones, y una fuerte influencia en lo que es desarrollar un lenguaje, una metáfora para expresar cada historia o momento.
Normalmente los textos para las canciones que hacemos son algún tipo de poesía, y lo que se canta son adaptaciones de ellas. Ahora, hablando en especial de estos versos de Anguita, estos poseen una fuertísima carga emotiva, y su relato nos transporta a un escenario de fuertes dicotomías y redención, cual se adaptaba perfectamente al relato y momento del disco.
Creo que de alguna forma esto también es una especie de homenaje a nuestra poesía nacional, y a la poesía que en general nos inspira.

¿Qué otros poetas, ramas del arte los inspiran?

R.G: Mmm… La verdad todos en la banda tenemos gustos muy amplios, por no decir que a toos nos gustan o inspiran cosas diferentes  (risas). Dentro de la poesía podría ser de gusto común algunos cómo Neruda, Huidobro, Benedetti, Borges, Mistral, y varios más en literatura en general.
Y bueno, cómo tu lo mencionas, disfrutamos de varias ramas del arte además de la poesía y la música claro. En el cine encontramos un fuerte elemento de inspiración, especialmente porque abarca de todo. Lo visual, lírico, fotografía, música, una historia o novela.  La fotografía también nos gusta harto.
Pero bueno, sin duda lo que más nos inspira es la música. Amamos la música, en todos sus estilos disfrutamos y rescatamos algo, desde el docto contemporáneo, al pop más simple o post rock, pasando por todos los subgéneros en metal o rock progresivo, música experimental, clásica, electrónica. Somos adictos a conocer y escuchar música (risas).

Decime dos temas de Draining the Waterheart que alguien que nunca escuchó Mar de Grises deba escuchar para conocer la propuesta de la banda.…

RG: Uff, es realmente complicada tu pregunta. Tu sabes, todas las canciones son bastante diferentes tanto en estructuras como en arreglos musicales, y uno disfruta alguna más que otras.
Mmm… Creo que Deep-seeded hope avante-garde y Sleep just one dawn representan muy bien lo que se  puede encontrar en este disco, y en general dan una buena idea de la música que hacemos con Mar de Grises. Poseen estructuras variadas, diversos arreglos musicales, tipos de voces, una buena cuota de originalidad, pasajes agresivos y veloces hasta secciones ultra atmosféricos y de bajo tempo, melodías y armonías que se van desarrollando durante toda la canción y en general creo que estas canciones son un buen ejemplo de lo que hacemos porque poseen esa cuota de emotividad que buscamos recrear en cada composición, en cada relato sonoro, que no es exactamente el tipo de canción que hacen la mayoría de las bandas.

Últimas dos preguntas. Una referida a Europa y otra a Chile: ¿Con qué banda que compartiste escenario en Europa dijiste “este es mi sueño, nunca pensé llegar a esto”?

R.G: Mmm.. La verdad no lo sé. Personalmente han sido mucho los momentos en que la reflexión a sido similar a la que nos dices. Encontrarse en algún momento con un “nunca pensé que llegaríamos acá”. Desde el momento que, comenzando la banda, conseguimos un contrato muy bueno con este sello de Finlandía, hasta el hecho de viajar a Europa a realizar conciertos exclusivos de la banda, o ser una de las bandas de cabecera de importantes festivales, o este reciente reconocimiento/apoyo que nos ha entregado nuestro Gobierno.
Ahora, pensando un poco en escenarios y bandas, creo que tocar de tu a tu, en Europa, con bandas como Dark Tranquillity, Impaled Nazarene, Carnal Forge, Saturnus, The Monolith Deathcult, Isole, Kronos, Funeral, Mourning Beloveth,  Ghost Brigade, Skyforger, Rotten Sound o Place of Skull… la verdad fue muy especial, pues son bandas de bastante renombre en sus respectivas escenas. Ha habido otras que son incluso más reconocidas, o top top, pero de escenas más pequeñas cómo Ataraxie, Urgehal o The Gates of Slumber por nombrar algunas del under más extremo. Pero en verdad, lo mejor de todo es que todo esto no ha mostrado en el nivel en que estábamos.  Ahora, más allá de todo eso, ser par te del cartel de cabecera con algunas de esas bandas, o con grandes cómo Enslaved o Brujería, sin duda a sido algo que sin duda nunca habíamos esperado.

Y volviendo a la actualidad de tu país…¿Cómo ves la escena Chilena?

R.G: Creo que hay un montón de bandas buenas, pero son pocas las que logran trascender, y editar material de primera línea. Hay mucha autogestión, cual permite hacer buenos avances, pero no mucho para destacar realmente. El apoyo es poco, cada persona pareciera tener una banda, y poco importarle lo que hay alrededor, inclusive a la gente de medios, quienes normalmente apoyan a los mismos de siempre y poco espacio entregan para conocer o difundir a bandas más  nuevas. Esto pareciera cada ves menos masivo, y cada ves más segmentado al gusto especifico de círculos de personas/medios/bandas. Ya no hay grandes bandas de cabecera, son casi las mismas de 10 años atrás…
También veo que a las nuevas generaciones poco pareciera gustarles los estilos más cercanos al metal, y poco se atreven a conocer. Y que en cuanto a conciertos locales no son muchos los avances, pues hay los mismos problemas de salas, equipos, producciones deficientes, poco público…
Creo que, porcentualmente, estamos a peor nivel que años anteriores, con menor porcentaje de bandas o discos buenos respecto al número de trabajos que se editan, con menos conciertos locales de calidad y con repercusión, con menos revistas de calidad, con menos sellos… Y hay hartas razones para ello. Pero bueno, hay cosas buenas y para destacar. Bandas, discos, producciones, cosas que se están haciendo a muy buen nivel. Lastima que son esfuerzos aislados.
En todo caso te invito a chequear  algunas bandas de estos lados, creo que podrías llevarte una grata sorpresa, y disfrutar varias.

Y por el otro lado, quizás el profundo, ocurre lo siguiente: en el momento emotivo, ése que para vos significa algo, te emociona, te llega de alguna manera especial… sacás tu cámara, la alzás, y en vez de mirar al escenario mirás para arriba, chequeando que esté bien el encuadre, que el zoom esté en foco, que te quede batería. Y después, cuando el momento pasó y la gente aplaude, vos estás salvando el videito, para no perderlo. Y el problema es precisamente ese: ¿qué es lo que estás guardando? Una memoria de algo que nunca viviste. Parece que para poder recordar algo especial para siempre, necesitás nunca haberlo visto, se sacrifica ese instante que deberías estar disfrutando con todos los sentidos despiertos para después poder ver el video en tu compu y pensar “yo estuve ahí”.

¿Es que la memoria no puede hacer ese trabajo por sí sola? Nos estamos convirtiendo en una especie que confía más en una memoria artificial de calidad y amplitud dudosa que en la vieja, querida, artesanal y maravillosamente subjetiva memoria humana, old school, anticuada… vintage, si quieren.

Y aparte, el componente irracional: simplemente me tienen las bolas por el piso.