Lo bueno de Origen de Fuego es que sorprende. Quien escribe esperaba un disco ganchero y cancionero sostenido en los frutos de Ancestral, la primera obra de los “Chanchos Enfermos”. Sin embargo lo que uno encuentra en Origen… es un trabajo con mayúsculas, pensado, meditado y disfrutado donde las sutilezas y el buen gusto abundan sin dejar de entender que Sick Porky es una banda de rock pesado, valvular y contundente.  Cada tema busca introducir al oyente en una atmósfera especial que muestra los hilos que los muchachos han ido tendiendo a lo largo de más de diez años y que uno calcula, tenderán en futuro.  Un oyente avezado  puede encontrar referencias a bandas actuales o tradicionales dentro del sonido de S. P. pero a diferencia de otros casos, aquí las referencias son sólo eso. La música de los Porkys suena a ellos mismos y esa es su gran virtud.  Entonces el arranque con “Nairobi” muestra un medio tiempo con cierto aire hipnótico que describe el fin del amor entre dos personas y perfila para donde va a ir el disco (lleno de  bases contundentes e infinidad de arreglos sutiles que enganchan al oyente). Incluso la presencia del Theremin – emulando la caída de una bomba – y mediado  por un solo denso,  melódico y pesado da la pauta de que cada tema ha sido trabajado como una pieza particular que hay que tallar, pulir y esculpir.

“Pura Sangre” parece recoger la bomba cayendo y hacerla explotar. Carlos Villafañe juega desde las voces a emular a Robert Plant y sale ganando por goleada. La banda rockea y el solo épico a doble viola muestra que la cosa viene muy en serio.  Tal vez “Hipnótica Oscuridad”,  mediante a la búsqueda de distintas sensaciones, sea uno de los grandes temas del disco. La imagen de la llegada al propio funeral es bien lograda desde la lírica y desde la música. La banda logra alcanzar los diversos climas que precisa el tema soltándose en un largo solo que uno desea que no termine nunca.  El cierre con un machaque denso y pesado está pensado para ser tocado en vivo y para romper cráneos.

“7 años” es una gran canción con un estribillo bien pegadizo que podría haber participado tranquilamente de “Ancestral”.  Precisamente esto es lo que linkea con “Serpentario” que se transforma en la exacta dosis de gancho y la deformidad riffera que proponen bandas como Baroness o Mastodon.

Un aire árabe invade a “Constructores Cíclopeos” en consonancia con la lírica “Sobre la arena/ ardiente inmensidad” junto a varias capas de violas que muestran el crecimiento de Jeremías Stutz y de Mariano “El Tata” Martinez que se complementan a la perfección como en todo el disco.

“Cuando llegue el final y caiga sobre mi/ Sin dejar nada que hacer/ sin nada por vivir” repite una y otra vez “Desideratum” sostenido en la firme estructura de Leandro Spatola y Sebastián Licio en bajo y batería. Simples y contundentes permiten que la banda descanse  sobre sus espaldas y vaya incrementando la intensidad del tema, en un in  crescendo de voces intercaladas que se hacen cada vez más y más emotivas.

Tanto “El umbral” como “La Caída” son dos medios tiempos que muestran a la banda navegando por los terrenos más densos que rockeros.  Riff bien marcados y la banda demostrando que puede generar climas bien oscuros sin ningún problema. “Le Tugurio” vuelve a mostrar el pulso bien rockero describiendo una especie de descenso a los infiernos  para dejar paso  a  “Falcónidas” que sigue en la misma línea de temas rockeros pesados y gancheros.

El final deja repitiendo “No hay nada que temer/no hay por qué dudar/llevo la marca que me elevará” casi como un mantra que se ha hecho realidad. Sick Porky demuestra en “Origen de Fuego” que está para pelearle para cualquiera. Con discos  como este hay poco que temer y mucho que ganar. Solo resta, de la mano de discos como este, afrontar sin temer el futuro.

Ya desde el arte gráfico y desde el nombre del disco uno puede prefigurar la propuesta de AVERNAL, al menos desde lo lírico.  Un oscuro Cristo Femenino emparentado al nombre del disco, Miss Mesias, da la pauta de que los de Quilmes buscan transitar por aquellos temas que la sociedad esconde por temor, por vergüenza y fundamentalmente, por hipocresía. Sin embargo, no es lo único arriesgado que uno  puede observar en esta nueva placa de AVERNAL (la cuarta sucesora de  ”Avernal”, “No Hope”, “Ill” y “El Sangriento”). Sintéticamente, la música ha cambiado. Hoy AVERNAL hace música extrema y juega con los límites sin preocuparse tanto por las etiquetas.  Entonces no sorprende que el disco comience con el repiqueteo de un bajo distorsionado  para que enseguida las guitarras gemelas de Federico Ramos y Sebastián “El Tano” Conforti sonando una en cada canal,  den  paso al potente machaque que guía el pulso de “La Resurrección”. Aquí,  con una letra entre mística y gore sumada a un estribillo hiper melódico, las violas toman el protagonismo y perfilan lo que luego será el disco: un transitar por los distintos extremos de la música pesada sin perder la melodía. Precisamente “1000 Navajas” comienza a puro riff ganchero que se repite otra vez para realizar una lúcida descripción de Buenos Aires La melancólica ira/transformada en violencia/La rutina es el catalizador de la violencia sangrienta repite una y otra vez la voz de Cristián Rodriguez casi desgarrándose.

“¿Dónde está tu Mesias?” es una crítica directa y sin miramientos a la religión cristiana planteando un salvador que no existe porque ha abandonado a sus salvados. Muestra con crudeza la hipocresía Haz lo que digo y no lo que hago/Vendiste tu fe al mejor postor para cerrar con un final a puro death metal repitiendo una y otra vez Te abandonó/El Mesías que fundó tu religión. “La luz se apago para mí” es el tema que toma mas riesgos en el disco,  ya que se aleja bastante de lo que uno espera si considera que los de Quilmes todavía hacen solo death metal. Un medio tiempo denso, pesado y melódico con lo más melódica y despojada que puede ser la voz de Cristian Rodriguez, muestra a la banda con un sonido más cercano a los primero discos de DANZIG. La luz se apagó para mi/y el cielo me cierra sus puertas muestra a la grupo y especialmente a Cristian jugándosela por ofrecer algo verdaderamente distinto y olvidándose de la etiquetas. Un grito desgarrador le da final al tema, tal vez simbolizando el camino de la tierra de los vivos hacia el país de los muertos. A puro death metal y groove “El Arma del Tirano” propone otra crítica a la religión esta vez poniendo énfasis en la fe. Por su parte “Purificación” sigue en el mismo tono lírico, pero musicalmente se acerca mas al thrash metal con los típicos solos veloces y a la vez melódicos del estilo.

Por su parte “Tal vez una mañana apriete el gatillo” y “Derramando mi dolor” transitan la temática del suicidio desde distintos puntos de vista. El primero intenta simbolizar, desde lo musical incluso, una bala ingresando al cuerpo humano Te abres paso através de mi alma/derramas mi carne con saña y te marchas repite en medio de un estribillo cuasi hardcore y una batería que también remite a ese estilo (acústica en todo el disco y con gran desempeño de German Rodriguez). Con “Derramando…”  vuelve a aparecer el aire a lo DANZIG,  esta vez con una melodía con cierto aire macabro que inicia el tema. Aquí la temática se repite pero en una descripción mas lenta y detallada mediante a un medio tiempo con mucho groove.

El cierre con “Infectados por el odio” es toda una declaración de principios, presumiblemente dirigida a aquellos que no entienden los pasos que han decidido transitar los AVERNAL. Tal vez ellos esperen que una banda conserve su estilo para toda la vida. “Miss Mesías” no es un disco de death metal ni quiere serlo. A no preocuparse,  la música pesada está llena de ortodoxos que siguen defendiendo y repitiendo una y otra vez sonidos y acciones. Este no es el caso. AVERNAL ha cambiado en el estricto sentido de la palabra. Ojalá los que no entienden esto, se permitan en algún momento disfrutar de ese cambio sin preocuparse tanto por las etiquetas y géneros. Si no,  se seguirán perdiendo buenos discos como este.

Formato: CD
Sello: Zonda Records.
Edición Nacional: Si
Año: 2009
Puntaje: 8

Tal vez los muchachos que conforman BANDA DE LA MUERTE, Xon en voces y guitarra, Sebastián Barrionuevo en guitarra, Nicolás Foresi en Bajo y Alfredo Felitte en batería (una mezcla de integrantes que pasaron y pasan por BUFFALO, TAURA, NIÑOS ENFERMOS y JESUS MARTYR entre otros), decidieron jugarse la vida en un disco pesado, denso y fundamentalmente rockero. Desde “Dos huesos” hasta el cierre más calmado de “A través de la sangre” la propuesta pasa por mostrar canciones en donde la estructura es densa, pesada y monolítica. Aquí la base marca el ritmo de las canciones, de esas de las  que uno puede tararear el riff una y otra vez,  pero también el pulso general de los temas. “Hesperidina” muestra  un sonido sucio y desprolijo que desemboca en un solo bañado en un machaque. “Esqueleto” es un tema hiper pesado en el que los versos repiten una y otra vez  No me preguntes/no se decirte/si creo en este Dios. Esta letra no es para nada casual, mas teniendo en cuenta que recurrentemente se repiten durante todo el disco una serie de separadores o introducciones en las que un Pastor enuncia una serie de consignas apocalípticas sobre la venida del Diablo. Precisamente “Los Ojos del Diablo” sigue esta lógica través de un comienzo que recuerda al SEPULTURA de “Roots” y lo junta con una melodía vocal hiper ganchera que se mezcla con un medio tiempo, con cierto aire ñu metal, en sus pasajes más pesados. Esto da la pauta de lo que busca esta “Banda”. Jugar con las influencias y reinterpretarlas es la propuesta  que  estructura cada uno de los ocho temas del disco.  Es así como “Madera Sagrada” puede estar cercano a un proto hardcore o al grindcore, según quien ponga el oído, mientras  que “Cuando No hay Mas que Perder” se presenta como un el tema mas hitero y recordable del disco.  Sueño con la libertad/Y eso lo puedo obtener/Cuando no hay mas que perder es la frase que sirve para sintetizar los sentimientos de un hombre en los últimos segundos de su vida. Aquí la voz de Xoni encuentra su identidad definitiva, demostrando que en los temas más melódicos y gancheros se siente con mucha más confianza.

En definitiva, así como lo muestra la impecable foto del booklet, B.D.L.M. sale a dispararar su rock pesado en la cara de los oyentes. Por ahora los disparos son contundentes y certeros. Por suerte parece haber más balas en la recámara. Varios esperamos que así sea.

Formato: CD
Sello: Oui-Oui Records
Edición Nacional: Si
Año: 2008
Puntaje:7

Guachass es una banda casi femenina,  formada por Mariana G. Deus (guitarra), Florencia B. Ungo (bajo), Camila G. Jettar (voz) y  Federico Mollinari (bateria). Uruguayas y apadrinadas por Sergio Ch de Los Natas, las chicas y el chico serían una especie de versión garage punk de Motorhead.

Entonces van a encontrar un disco que va a las chapas, con momentos muy interesantes como “Dirty Harry” (hitazo), “White Thunder”, “Indiana” o  la instrumental “Pulpo” ,  siempre condimentados con una alta dosis de “actitud de reviente” y la voz de Camila, entonando como si estuviera forreando a todo el mundo o no le importara nada en medio de riffs al palo.

Cien por ciento de actitud en un disco contundente, muy rockero y pesado. Para escuchar en el garage de tu casa con alta dosis de alcohol en medio de una fiesta alocada.

Formato: CD
Sello: Oui-Oui Records
Edición Nacional: Si
Año: 2009
Puntaje: 9

Para esta nueva entrega LOS NATAS eligieron jugar con ese oxímoron que implica ordenar la libertad. Uno piensa que la libertad no precisa ser ordenada si no que la libertad es libre por definición.  Sin embargo, aquí el trío de Sergio Ch, Gonzalo Villagra y Walter Broide ha logrado una propuesta ordenadora. El tema que da nombre al disco es el que aparece mas fuerte en este sentido. Una gran canción, sin tanto cuelgue, con un bajo gordo y pesado inundado por riffs interminables. Redonda, por donde se la mire con un gran tarea de los tres. “Resistiendo el dolor”  se puede decir que sigue esta tónica,  pero tal vez con algunos toques más psicódelicos al estilo “Corsario Negro”. Luego, “Hombre de Metal” es tal cual su nombre lo indica. Unos de los temas mas pesados de disco. Bien contundente – tal vez lo más contundente que L.N. pueden llegar a ser – en una gran demostración de poder.

Tal vez la última parte del disco sea la que el trío reservo para esos lugares de experimentación y cuelgue que aparecen en sus anteriores obras. “David y Golliat” es puro cuelgue lisérgico y pesado, “Dos Horses” es la canción acústica que le da un cierre calmo y tranquilo al disco.

En definitiva L.N. han construído un disco que, aquellos que no conocen tanto su propuesta, sentirán mas “ordenado” en cuanto al transcurrir de las canciones y el sonido que propone cada una. Sin perder la libertad el trío a logrado reformularla. Por esto, el título del disco calza a la perfección para las diez canciones que proponen el trío Chotzourian – Villagra – Broide. Gran disco. Ideal para empezar a transitar el camino de LOS NATAS.

Formato: EP
Sello: Southern Lust records
Edición Nacional: Si
Año: 2008
Puntaje: 8

Si hay una ciudad capaz de emular, aunque sea vagamente, la atmósfera de los fiordos noruegos esa sería Mar del Plata. Fría y desoladora, la ciudad suele esperar que pase el invierno y llege el redentor verano. ¿Qué hace mientras espera la ciudad? Black Metal. En una escena que de la mano de los shows en la Vinoteca Perrier está tomando cierto nombre dentro de la escena under local, estos muchachos no se empeñan en imitar a los grandes “Blackers” Noruegos. Su Black suena a Noruego pero es local. Melodías de teclado, ciertos toque doom y un sonido profesional hacen imaginar el paisaje marplatense con una banda de sonido desgarradora y brutal. En un escena extrema que suele intentar imitar los estilos en boga, estos muchachos optaron por mirar afuera, vivir afuera – Mortem, lider de la banda,  vivió diez años en Noruega – y luego hacer una propuesta interesante, contundente y fundamentalmente,  creíble. ¿Para recomendar? el climático “Pagan Fog (The Infernal Winter)” y la brutal “Ancient Of The Days”, aunque los seis temas suenan parejos. Muchas veces se suele mirar y escuchar  con prejuicio a este tipo de estilos de raigambre europea – nórdica,  ejecutados en argentina. Recomiendo que escuchen a ANCESTRUM y se despojen de los prejuicios de la mano de una banda brutal y fundamentalmente,  honesta. No se van a arrepentir.

Duración: 27:54

Sello: Independiente

Edición Nacional: Si

Año: 2009

Puntaje: 8

Luego de escuchar este sorprendente primer EP de Frater hay muchas cosas por decir. Si uno no sabe nada de la banda, lo primero a preguntar es de dónde son y dónde estuvieron los músicos antes. Cuando uno se entera que estos pibes son de la zona de Burzaco, uno se lleva una grata sorpresa.

¿Qué hace Frater? Un Metalcore muy bien tocado. Tanto, que al escuchar uno se imagina una banda de músicos técnicos, seguramente impecable en cuanto a sonido y amarga a la hora del show. Por eso la sorpresa es doble al ver que en vivo, estos jóvenes muchachos la rockean (N: Quien escribe tuvo la posibilidad de asistir a una de sus primeras presentaciones).

El EP suena del carajo. Son 5 temitas que te vuelan la cabeza, con un sonido increíble. Las sorpresas siguen cuando indagando, uno se entera que esto lo grabaron en la sala de ensayo. Todos los temas que componen esta presentación suenan tremendos, destacando “Free Us Now” con un estribillo muy pegadizo, cantado primero por la voz limpia de la banda (A. Bori) y luego a dúo con el desquiciado P. Uncullú.

La música, metalcore al palo, tiene tintes del death melódico y el metal extremo, notándose la influencia de bandas como Lamb of God, In Flames, Opeth y hasta Dream Theater. De hecho, el batero (F. Mele) parece que se hubiera comido a Portnoy por momentos. Es un gran músico, muy virtuoso… a veces demasiado, como agregando demasiadas cosas… cosas que por ahí el tema no pide, en mi opinión.

Es una de esas bandas que hacen una gira europea exitosa antes de recorrer el interior del país (es raro, pero sino pregúntele a Los Natas o a Jesus Martyr). Recomiendo escuchar los temas completos. Si consiguen el EP y lo pensaban picar, es preferible que escuchen uno o dos temas hasta al final, ya que los cambios y las composiciones de cada uno son una delicia.

En fin: buena música, buenas composiciones, buenos músicos. Frater nos ha llenado de sorpresas, y por eso son bienvenidos.

Duración: 45:13

Sello:Días de Garage Records

Edición Nacional: Si

Año: 2008

Puntaje: 9

Tal vez este sea el primer disco de Buffalo en el que la química que han ido construyendo Claudio “El Pastor” Filadoro (guitarras y voces) y D. Curtolo (Xon en bajo y voces) a través de los años se nota con claridad en las grabaciones. 30 días de Oscuridad tiene todo lo que tiene que tener un disco de música pesada (millones de riffs, actitud, una base contundente) pero a eso le suma variedad de estilos, influencias  y riesgos. Entonces, el comienzo con “Dañar por dañar” muestra un sonido pesado, gordo y machacante, para dar paso a “Aves negras, Caballos blancos”, un medio tiempo con un riff  “a lo Soulfly” promediando la canción, que moderniza el sonido general de la banda.  La primera intervención de Xon en voces aparece en el tema siguiente,  “Magia Negra” donde una guitarra acústica da paso una base de viola contundente y certera para cantar “Soy el que aprendió a perder/ con un vaso en la mano”.  Xon aparecerá varias veces en el disco. Creando una especie de remanso con “Gratitud”,  cantando el tema más rockero (así a secas) de la historia de Buffalo, “En la piel” y abriendo caminos y guiños al rock sureño yanqui, valga la redundancia, con “Camino“. Precisamente, ese aire sureño y por añadidura blusero,  va a impregnar el disco mostrando el punto más  alto en “Angel”, en donde el interludio que incluye  la incorporación de armónica es sencillamente descomuna,l para repetirse mas adelante,  en esa mezcla entre  humor negro y joda en el cierre del disco con “Cuchillo”. El resto de los tracks están sostenidos en un sonido impecable (el disco suena muy pero muy bien), por lo que los canciones más pesadas suenas aplastantes.  “La batalla de San Antonio” es un pequeño hit contundente y pesado. Por el mismo camino, pero con la incorporación de distorsión para el estribillo, transita “Corazones de piedra” y finalmente el tema que da nombre al disco tiene una densidad pesada , pero con un estribillo híper melódico. En definitiva esta tercer obra de Buffalo (continuadora de “Temporada de Huracanes” y “Karma”) los muestra en un crecimiento cualitativo que confío, va a dar sus frutos. 30 días de Oscuridad son trece canciones de rock pesado que abre puertas a otros lugares sin pretenciones exageradas. El Buffalo sigue indomable y no hay quien lo pare. Veremos hasta donde llega.

Formato: CD

Duración:64.15

Año :2008

Sello: Firebox Music (Finlandia)

Puntaje: 7

Mar de Grises es un grupo Chileno que ha elegido un camino distinto al de la mayoría de las agrupaciones sudamericanas. Apostando por “internacionalizar su propuesta” este es el segundo disco (luego de su debut “The Tatterdemalion Express” del 2004)  que editan bajo el sello Firebox Records de Finlandia. Escuchando la placa uno se da cuenta fácilmente el porqué.  La música de los trasandinos es melancólica, lenta y depresiva. Hasta aquí nada nuevo. Debe haber quince mil bandas que siguen los dictados básicos del doom metal. Sin embargo, no solo es doom la música de Mar de Grises. Apostando a crear una atmósfera etérea pero a la vez opresiva, la música se dispara hacia paisajes desoladores, angustiantes pero a la vez de una belleza inusitada. Temas como Kilómetros de nada se animan a mostrar a través del susurro gutural de Juan Escobar, frases como estas “Abro en mis ojos y miro el silencio/Invierno en mi vida, amarga mentira” siempre acompañadas por una atmósfera sostenida en un trabajo instrumental que privilegia encontrar el clima justo para cada canción, sin preocuparse por ampliar los alcances y limites de los preceptos del doom mas elaborado. Los ocho temas de “Draining the Waterheart”  (cinco en inglés y el resto en castellano) son una invitación a sumergirse en aquella soledad que estremece lo más profundo del interior. Tal vez uno deba ser precavido al emprender este viaje. Mar de Grises es solo el boleto de ida.

El tercer disco de Niños presenta una potencia “equilibrada”, todo parece estar en su punto justo, cada sonido, acorde, tono, melodía, cambios y arreglos, están coherentemente ensamblados. A lo largo de 14 temas, “Matadiablos” rockea sin parar, atravesando una buena combinación de stoner y punk, con muchos toques grunge. La banda de Eleazar, realmente se luce en este disco tan rockero como oscuro. Temas como “Calma loca calma”, “Yo te odeo”, “Juego obsceno”, y “La luz en la oscuridad”, muestran la calidad y energía del disco, con guitarras al palo, y una bata agresiva. En “Egocentrico” y “Cuentos de galanes”, entra en juego un matiz que rompe con tanta velocidad, y deja ver el lado más sentido y profundo de la banda, en esta nueva etapa. Las letras de “Matadiablos” tienen la misma oscuridad que la música, y logran cerrar el concepto que el disco intenta obtener, con una coherencia valorable y original.

Con este último trabajo de estudio, Niños Enfermos, exhibe una evolución artística y musical sin salirse de su estilo propio. “Matadiablos” a diferencia de “Esconder cicatrices”, su anterior disco, posee un sonido menos atado al punk, (vale decir que la banda nunca fue una banda de punk rock clásico), y se atreve a volar e incursionar más allá de géneros estructurados.

Un punto para nada menor, es la excelente calidad del arte de tapa, que consta de 16  páginas, con letras, y una artística bien elegida que cierra lo conceptual del trabajo, algo que no estamos acostumbrados a ver en la escena under local.

“Matadiablos” deja en claro que Niños Enfermos es una de las bandas más serias y respetadas de la escena independiente, y que a través de una gran creatividad y proyección, logran cada vez mayor reconocimiento.

Formato: CD

Duración: 53:22

Sello: Zonda records

Edición Nacional: Si

Año: 2008

Puntaje: 9